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After the bal
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Lendemain de bal
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Charles Weisser
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1887
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oil on canvas / huile sur toile
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Musée de Montbéliard, Montbéliard
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📍#DailyMuseum
_________________________________________ After the bal ____________________________ Lendemain de bal ____________________________ Charles Weisser ____________________________ 1887 ____________________________ oil on canvas / huile sur toile ____________________________ Musée de Montbéliard, Montbéliard ____________________________ 📍#DailyMuseum 
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Cup and saucer
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Tasse litron et sa soucoupe
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Manufacture de porcelaine de Nast (1783-1835)
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circa / vers 1810
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Hard-paste porcelain
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Porcelaine dure
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Musée national des châteaux de Malmaison et de Bois-Préau, Rueil-Malmaison | @chateaumalmaison
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📍#DailyMuseum
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| 🇫🇷 FR. :
| Crée au début des années 1780 par Jean Népomucène Hermann Nast, la manufacture qui porte son nom devint sous l’Empire l’une des plus importantes de Paris ; Nast avait su s’entourer des meilleurs artistes, et il se distingua par deux décors originaux, le vert de chrome et le décor en relief à la molette.
.
Cette tasse et sa soucoupe sont couvertes de pseudo-hiéroglyphes en or sur fonds beiges ou bruns et de personnages ailés peints en bleu. L’intérêt majeur de ce décor et de montrer jusqu’où peuvent aller les adaptations subies par les caractères de l’écriture égyptienne : certains sont si torturés que l’on a du mal à les reconnaître ; d’autres constituent des inventions pures et simples faisant penser à des signes ésotérique, sinon même cabalistiques. Un autre sujet d’étonnement nous est fourni par la modification qui a transformé le scarabée il y égyptien poussant le soleil en une espèce de personnage aile évoquant presque le dieu Achéménides Ahura Mazda. De telles déformation sont bien le signe d’une méconnaissance de l’art égyptien continuant d’exister des années après l’expédition d’Egypte, et que des confusions en résultaient.
.
Un tel décor à l’égyptienne n’est d’ailleurs pas exceptionnel chez Nast, qui produisait à la même époque une aiguière ornée, au niveau de l’attache supérieure de lance, d’une tête de pharaon coiffé du némès.
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| Notice de l’œuvre dans la catalogue de l’exposition Egyptomania - l’Egypte dans l’art occidental 1730-1930 du Musée du Louvre | @museelouvre
_________________________________________ Cup and saucer . Tasse litron et sa soucoupe ____________________________ Manufacture de porcelaine de Nast (1783-1835) ____________________________ circa / vers 1810 ____________________________ Hard-paste porcelain . Porcelaine dure ____________________________ Musée national des châteaux de Malmaison et de Bois-Préau, Rueil-Malmaison | @chateaumalmaison ____________________________ 📍#DailyMuseum  . . . | 🇫🇷 FR. : | Crée au début des années 1780 par Jean Népomucène Hermann Nast, la manufacture qui porte son nom devint sous l’Empire l’une des plus importantes de Paris ; Nast avait su s’entourer des meilleurs artistes, et il se distingua par deux décors originaux, le vert de chrome et le décor en relief à la molette. . Cette tasse et sa soucoupe sont couvertes de pseudo-hiéroglyphes en or sur fonds beiges ou bruns et de personnages ailés peints en bleu. L’intérêt majeur de ce décor et de montrer jusqu’où peuvent aller les adaptations subies par les caractères de l’écriture égyptienne : certains sont si torturés que l’on a du mal à les reconnaître ; d’autres constituent des inventions pures et simples faisant penser à des signes ésotérique, sinon même cabalistiques. Un autre sujet d’étonnement nous est fourni par la modification qui a transformé le scarabée il y égyptien poussant le soleil en une espèce de personnage aile évoquant presque le dieu Achéménides Ahura Mazda. De telles déformation sont bien le signe d’une méconnaissance de l’art égyptien continuant d’exister des années après l’expédition d’Egypte, et que des confusions en résultaient. . Un tel décor à l’égyptienne n’est d’ailleurs pas exceptionnel chez Nast, qui produisait à la même époque une aiguière ornée, au niveau de l’attache supérieure de lance, d’une tête de pharaon coiffé du némès. . | Notice de l’œuvre dans la catalogue de l’exposition Egyptomania - l’Egypte dans l’art occidental 1730-1930 du Musée du Louvre | @museelouvre
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Terracotta stand
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Support en terre-cuite
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Signed by Ergotimos as potter
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Signed by Kleitias as painter
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Signé par Ergotimos comme potier
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Signé par Kleitias comme peintre
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circa 570 B.C.
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vers 570 av. J.-C.
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Period archaic, culture Greek or Attic
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Période archaïque, culture grecque ou attique
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Terracotta and black-figure
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Terre-cuite et figure noire
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Metropolitan Museum of Art, New York | @metmuseum
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📍#DailyMuseum
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| 🇺🇸 EN. :
| Ergotimos and Kleitias signed a large volute-krater, now in the Archaeological Museum, Florence, that is a veritable compendium of Greek mythology, particularly relating to Achilles. This stand is the only other preserved work with their signatures. The three Gorgons were so horrible-looking that whoever saw them turned to stone. In Archaic art, the face is a frequent motif, partly because it fits well into a circular format.
| @metmuseum website
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| 🇫🇷 FR. :
| Ergotimos et Kleitias ont signé un grand cratère à volute, aujourd'hui au Musée Archéologique de Florence. Le vase, communément appelé Vase François, est un véritable recueil de la mythologie grecque, en particulier en ce qui concerne l’histoire d’Achille. Ce support est la seule autre œuvre conservée présentant leurs signatures. .
La créature dont se dessine le visage à la figure noire est celui d’une des trois Gorgone. Ces dernières étaient si horribles que quiconque croisait leur regard se transformait en statue de pierres. Dans l'art archaïque, le visage est un motif fréquent, en partie parce qu'il s'intègre bien dans un format circulaire.
| Traduit par le @_dailymuseum
_________________________________________ Terracotta stand . Support en terre-cuite ____________________________ Signed by Ergotimos as potter . Signed by Kleitias as painter ____________________________ Signé par Ergotimos comme potier . Signé par Kleitias comme peintre ____________________________ circa 570 B.C. . vers 570 av. J.-C. ____________________________ Period archaic, culture Greek or Attic . Période archaïque, culture grecque ou attique ____________________________ Terracotta and black-figure . Terre-cuite et figure noire ____________________________ Metropolitan Museum of Art, New York | @metmuseum ____________________________ 📍#DailyMuseum  . . . | 🇺🇸 EN. : | Ergotimos and Kleitias signed a large volute-krater, now in the Archaeological Museum, Florence, that is a veritable compendium of Greek mythology, particularly relating to Achilles. This stand is the only other preserved work with their signatures. The three Gorgons were so horrible-looking that whoever saw them turned to stone. In Archaic art, the face is a frequent motif, partly because it fits well into a circular format. | @metmuseum website . . . | 🇫🇷 FR. : | Ergotimos et Kleitias ont signé un grand cratère à volute, aujourd'hui au Musée Archéologique de Florence. Le vase, communément appelé Vase François, est un véritable recueil de la mythologie grecque, en particulier en ce qui concerne l’histoire d’Achille. Ce support est la seule autre œuvre conservée présentant leurs signatures. . La créature dont se dessine le visage à la figure noire est celui d’une des trois Gorgone. Ces dernières étaient si horribles que quiconque croisait leur regard se transformait en statue de pierres. Dans l'art archaïque, le visage est un motif fréquent, en partie parce qu'il s'intègre bien dans un format circulaire. | Traduit par le @_dailymuseum
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Waterfall at Terni
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Chute d’eau à Terni
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Camille Corot (1769-1875)
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1826
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Oil on paper, laid down on wood
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Huile sur papier, collée sur bois
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Metropolitan Museum of Art, New York | @metmuseum
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📍#DailyMuseum
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| 🇺🇸 EN. :
| Painters visited Rome and the surrounding countryside to record the natural beauty of the scenery and its antique monuments. The Cascata delle Marmore combines both, having been engineered in the third century B.C. to divert the river Velino into the Nera, a tributary of the Tiber. Corot visited the waterfall in summer 1826, attaining a mastery of plein-air technique that is characterized by the candor, naturalism, and seemingly intuitive structure of this sketch. Corot did not exhibit such informal works, but he tried to infuse the paintings he began to show at the Salon the following year with the same vigorous sensibility.
| @metmuseum website
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| 🇫🇷 FR. :
| Au XIXème siècle les peintres visitent Rome et la campagne alentour pour capter la beauté naturelle des paysages et les monuments antiques qui les parcourent. La Cascata delle Marmore combine les deux, créer artificiellement au IIIème siècle av. J.-C. pour détourner la rivière Velino dans la Nera, un affluent du Tibre. Corot a visité cette chute d’eau au cours de l’été 1826. Il présente dans cette œuvre sa grande technique du travail en plein-air qui se retrouve notamment dans le naturalisme de la scène et la structure intuitive de ce dessin. L’artiste n’a pas exposé une œuvre aussi informelle que celle-ci. Mais il tente d’introduire dans ces peintures qu’il présente au Salon l’année suivante cette vigoureuse sensibilité.
| Traduction @_dailymuseum 😇
_________________________________________ Waterfall at Terni . Chute d’eau à Terni ____________________________ Camille Corot (1769-1875) ____________________________ 1826 ____________________________ Oil on paper, laid down on wood . Huile sur papier, collée sur bois ____________________________ Metropolitan Museum of Art, New York | @metmuseum ____________________________ 📍#DailyMuseum  . . . | 🇺🇸 EN. : | Painters visited Rome and the surrounding countryside to record the natural beauty of the scenery and its antique monuments. The Cascata delle Marmore combines both, having been engineered in the third century B.C. to divert the river Velino into the Nera, a tributary of the Tiber. Corot visited the waterfall in summer 1826, attaining a mastery of plein-air technique that is characterized by the candor, naturalism, and seemingly intuitive structure of this sketch. Corot did not exhibit such informal works, but he tried to infuse the paintings he began to show at the Salon the following year with the same vigorous sensibility. | @metmuseum website . . . | 🇫🇷 FR. : | Au XIXème siècle les peintres visitent Rome et la campagne alentour pour capter la beauté naturelle des paysages et les monuments antiques qui les parcourent. La Cascata delle Marmore combine les deux, créer artificiellement au IIIème siècle av. J.-C. pour détourner la rivière Velino dans la Nera, un affluent du Tibre. Corot a visité cette chute d’eau au cours de l’été 1826. Il présente dans cette œuvre sa grande technique du travail en plein-air qui se retrouve notamment dans le naturalisme de la scène et la structure intuitive de ce dessin. L’artiste n’a pas exposé une œuvre aussi informelle que celle-ci. Mais il tente d’introduire dans ces peintures qu’il présente au Salon l’année suivante cette vigoureuse sensibilité. | Traduction @_dailymuseum 😇
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Rest on the Flight into Egypt
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Le Repos durant la fuite en Égypte
____________________________
Gregorio de Ferrari (1647-1726)
____________________________
1675
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Oil on canvas / Huile sur toile
____________________________
Musée des Beaux-Arts d’Orléans, Orléans
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📍#DailyMuseum | #MBAOrleans
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| 🇫🇷 FR. :
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| Du 15 septembre 2018 au 13 janvier 2019, le musée des Beaux-Arts d’Orléans présente la totalité de la collection des Motais de Narbonne. Généreux donateurs des musées français, Héléna et Guy Motais de Narbonne ont profité du lancement de cette exposition pour annoncer le don d’un de leurs tableaux au musée orléanais : le Repos pendant la fuite en Egypte de Gregorio de Ferrari, réalisé en 1675 comme modello du retable de l’église San Giovanni Battista des Théatins de Gênes.
.
Soucieux de seduire son commanditaire Cristoforo Battista Centurione, Ferrari realise une œuvre particulie- rement aboutie qui marque les debuts du jeune peintre a Genes ou il va mener une brillante carriere aux cotes de son beau-pere Domenico Piola. Ce tableau profondement sentimental, a l’iconographie insolite avec sa ve- getation egyptienne, tient une place de choix dans la collection Motais de Narbonne.
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| Communiqué de presse du Musée des Beaux-Arts d’Orléans
_________________________________________ Rest on the Flight into Egypt ____________________________ Le Repos durant la fuite en Égypte ____________________________ Gregorio de Ferrari (1647-1726) ____________________________ 1675 ____________________________ Oil on canvas / Huile sur toile ____________________________ Musée des Beaux-Arts d’Orléans, Orléans ____________________________ 📍#DailyMuseum  | #MBAOrleans  . . . | 🇫🇷 FR. : . | Du 15 septembre 2018 au 13 janvier 2019, le musée des Beaux-Arts d’Orléans présente la totalité de la collection des Motais de Narbonne. Généreux donateurs des musées français, Héléna et Guy Motais de Narbonne ont profité du lancement de cette exposition pour annoncer le don d’un de leurs tableaux au musée orléanais : le Repos pendant la fuite en Egypte de Gregorio de Ferrari, réalisé en 1675 comme modello du retable de l’église San Giovanni Battista des Théatins de Gênes. . Soucieux de seduire son commanditaire Cristoforo Battista Centurione, Ferrari realise une œuvre particulie- rement aboutie qui marque les debuts du jeune peintre a Genes ou il va mener une brillante carriere aux cotes de son beau-pere Domenico Piola. Ce tableau profondement sentimental, a l’iconographie insolite avec sa ve- getation egyptienne, tient une place de choix dans la collection Motais de Narbonne. . | Communiqué de presse du Musée des Beaux-Arts d’Orléans
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L’Apothéose de la canaille
ou
Le Triomphe de Robert Macaire
____________________________
Louis-Maurice Boutet de Monvel (1850-1913)
____________________________
1884
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oil on canvas / huile sur toile
____________________________
Musée des Beaux-Arts d’Orléans, Orléans
____________________________
📍#DailyMuseum | #MBAOrleans
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| 🇫🇷 FR. :
.
| Louis-Maurice Boutet de Monvel, peintre orléanais surtout connu pour la qualité de ses illustrations de livres destinés à la jeunesse, offre ici un aspect tout différent de son art avec une virulente satire de la Commune de 1871.
.
Peint en 1884 pour être présente au Salon de 1885, le tableau est retiré des cimaises quelques jours avant l’ouverture par le conseil d’administration de la Société des Artistes français, sans doute sous la pression de la direction des Beaux-Arts, en raison de sa signification politique. On craint en effet les altercations que pourrait faire naître ce pamphlet violemment antirépublicain, car au-delà d’une charge contre la Commune, l’œuvre est une critique du suffrage universel et de la démocratie, les fondements mêmes de la République. Le Figaro, au nom de la liberté artistique, expose la toile dans ses locaux afin que ses lecteurs puissent juger par eux-mêmes.
.
Si l’aspect polémique de l’œuvre est aujourd’hui dépassé, son impact visuel demeure. Dans une composition originale en contre-plongée, un homme aviné, portant les attributs de la royauté, est assis au sommet d’une barricade. Il foule du pied une jeune femme tombée, allégorie de la France, tandis que Robert Macaire le couronne au son de la grosse caisse frappée par son complice Bertrand. Ces deux personnages, tirés du mélodrame L’Auberge des Adrets (1823) de Benjamin Antier, Saint-Armand et Polyanthe, sont des figures populaires de voleurs et meurtriers au XIXème siècle. Les mains tendues de la populace laborieuse acclamant son souverain forment la base de cette composition triangulaire au coloris symboliquement tricolore.
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| Cartel de l’œuvre
_________________________________________ L’Apothéose de la canaille ou Le Triomphe de Robert Macaire ____________________________ Louis-Maurice Boutet de Monvel (1850-1913) ____________________________ 1884 ____________________________ oil on canvas / huile sur toile ____________________________ Musée des Beaux-Arts d’Orléans, Orléans ____________________________ 📍#DailyMuseum  | #MBAOrleans  . . . | 🇫🇷 FR. : . | Louis-Maurice Boutet de Monvel, peintre orléanais surtout connu pour la qualité de ses illustrations de livres destinés à la jeunesse, offre ici un aspect tout différent de son art avec une virulente satire de la Commune de 1871. . Peint en 1884 pour être présente au Salon de 1885, le tableau est retiré des cimaises quelques jours avant l’ouverture par le conseil d’administration de la Société des Artistes français, sans doute sous la pression de la direction des Beaux-Arts, en raison de sa signification politique. On craint en effet les altercations que pourrait faire naître ce pamphlet violemment antirépublicain, car au-delà d’une charge contre la Commune, l’œuvre est une critique du suffrage universel et de la démocratie, les fondements mêmes de la République. Le Figaro, au nom de la liberté artistique, expose la toile dans ses locaux afin que ses lecteurs puissent juger par eux-mêmes. . Si l’aspect polémique de l’œuvre est aujourd’hui dépassé, son impact visuel demeure. Dans une composition originale en contre-plongée, un homme aviné, portant les attributs de la royauté, est assis au sommet d’une barricade. Il foule du pied une jeune femme tombée, allégorie de la France, tandis que Robert Macaire le couronne au son de la grosse caisse frappée par son complice Bertrand. Ces deux personnages, tirés du mélodrame L’Auberge des Adrets (1823) de Benjamin Antier, Saint-Armand et Polyanthe, sont des figures populaires de voleurs et meurtriers au XIXème siècle. Les mains tendues de la populace laborieuse acclamant son souverain forment la base de cette composition triangulaire au coloris symboliquement tricolore. . | Cartel de l’œuvre
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Heads of a woman and a child
_______
Têtes de femme et d’enfant
_______
Study for the Massacre of the Innocents / Étude pour  la Scène du massacre des Innocents
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@mbarennes
_______
Léon Cogniet (1794-1880)
_______
circa / vers 1824
_______
oil on canvas / huile sur toile
_______
Musée des Beaux-Arts d’Orléans, Orléans
_______
📍#DailyMuseum | #MBAOrleans
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| 🇫🇷 FR. :
| Cette étude prépare le tableau du musée des Beaux-Arts de Rennes, Scène du massacre des Innocents. Exposé au Salon de 1824, l’œuvre impressionne beaucoup et établi la renommée du jeune artiste.
.
Le sujet, maintes fois traité est prétexte à des compositions sophistiquées centrées sur la mêlée des corps et la violence de l’action, est tiré de l’Évangile selon saint Mathieu. Hérode, roi de Judée, apprenant des rois mages la naissance de Jésus, « roi des juifs », et craignant d’être écarté du trône, fait mettre à mort tous les enfants de moins de deux ans dans la région de Bethléem, où pensent-ils Jésus se trouve encore. Cogniet donne une version tout à fait originale du sujet, rejetant à l’arrière plan dans une lumière aveuglante les scènes de massacre, pour se focaliser au premier plan sur une mère et son enfant se cachant dans un renfoncement pour échapper aux meurtriers. Une autre mère, ses deux enfants sous le bras, repérée par un soldat, se précipite dans l’escalier à gauche, menant à la cachette, mouvement qui introduit le suspens et maintient le spectateur dans l’attente du dénouement.
.
Cogniet réalise plusieurs esquisses préparatoires, selon son habitude : une ébauche de la composition d’ensemble et plusieurs études du groupe principal, en particulier en plan rapproché comme ici. La jeune mère terrifiée, couvre de sa main la bouche de son enfant, dont les yeux expriment la crainte, pour étouffer ses cris. La critique salua la justesse de l’expression, le sens de la vérité, qualité toute romantique, et la capacité du peintre d’évoquer de façon juste et contenus toute l’intensité du drame, son sens classique de la mesure. Cogniet plaît ainsi à la fois aux tenants de la tradition et à ceux de la nouvelle école romantique.
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| Notice de l’œuvre
________________________________________ Heads of a woman and a child _______ Têtes de femme et d’enfant _______ Study for the Massacre of the Innocents / Étude pour la Scène du massacre des Innocents . @mbarennes _______ Léon Cogniet (1794-1880) _______ circa / vers 1824 _______ oil on canvas / huile sur toile _______ Musée des Beaux-Arts d’Orléans, Orléans _______ 📍#DailyMuseum  | #MBAOrleans  . . . | 🇫🇷 FR. : | Cette étude prépare le tableau du musée des Beaux-Arts de Rennes, Scène du massacre des Innocents. Exposé au Salon de 1824, l’œuvre impressionne beaucoup et établi la renommée du jeune artiste. . Le sujet, maintes fois traité est prétexte à des compositions sophistiquées centrées sur la mêlée des corps et la violence de l’action, est tiré de l’Évangile selon saint Mathieu. Hérode, roi de Judée, apprenant des rois mages la naissance de Jésus, « roi des juifs », et craignant d’être écarté du trône, fait mettre à mort tous les enfants de moins de deux ans dans la région de Bethléem, où pensent-ils Jésus se trouve encore. Cogniet donne une version tout à fait originale du sujet, rejetant à l’arrière plan dans une lumière aveuglante les scènes de massacre, pour se focaliser au premier plan sur une mère et son enfant se cachant dans un renfoncement pour échapper aux meurtriers. Une autre mère, ses deux enfants sous le bras, repérée par un soldat, se précipite dans l’escalier à gauche, menant à la cachette, mouvement qui introduit le suspens et maintient le spectateur dans l’attente du dénouement. . Cogniet réalise plusieurs esquisses préparatoires, selon son habitude : une ébauche de la composition d’ensemble et plusieurs études du groupe principal, en particulier en plan rapproché comme ici. La jeune mère terrifiée, couvre de sa main la bouche de son enfant, dont les yeux expriment la crainte, pour étouffer ses cris. La critique salua la justesse de l’expression, le sens de la vérité, qualité toute romantique, et la capacité du peintre d’évoquer de façon juste et contenus toute l’intensité du drame, son sens classique de la mesure. Cogniet plaît ainsi à la fois aux tenants de la tradition et à ceux de la nouvelle école romantique. . | Notice de l’œuvre
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Bust of Joan of Arc
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Buste de Jeanne d’Arc
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Auguste Trouchaud
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after / d’après Marie d’Orléans (1813-1839)
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circa / vers 1840
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Marble / Marbre
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Musée des Beaux-Arts d’Orléans, Orléans
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📍#DailyMuseum | #MBAOrleans
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| 🇫🇷 FR. :
| Ce buste de Jeanne d’Arc figure parmi les récentes acquisitions du Musée des Beaux-Arts d’Orléans. Un achat réalisé au cours de la TETAF 2018.
.
L’œuvre est réalisée par Auguste Trouchaud, un artiste dont on ne connaît que peu de choses aujourd’hui. En effet Trouchaud est un praticien, c’est-à-dire un artiste qui réalise dans la pierre ou le marbre une sculpture d’après le modèle d’un autre artiste. Ce buste de la Pucelle d’Orléans est d’ailleurs réalisé d’après une œuvre de Marie d’Orléans - fille de Louis-Philippe, qui connaît une brève carrière de sculptrice avant de s’éteindre à l’âge de 25ans.
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La sculpture dont est issue le buste est une représentation de Jeanne d’Arc en pied, revêtue d’une armure et tenant contre elle une épée. Une œuvre aujourd’hui conservée au château de Versailles, un lieu pour lequel elle avait été prévu lors de sa commande par Louis-Philippe en 1836.
.
L’achat d’une telle œuvre par le musée s’explique pour plusieurs raisons. Tout d’abord le sujet, la figure de Jeanne d’Arc étant profondément liée à la ville d’Orléans. Mais également par la présence dans les collections du musée d’un important fond de sculptures romantiques en particulier autour des œuvres d’Henry de Triqueti.
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| @_dailymuseum 😇
_________________________________________ Bust of Joan of Arc ____________________________ Buste de Jeanne d’Arc ____________________________ Auguste Trouchaud . after / d’après Marie d’Orléans (1813-1839) ____________________________ circa / vers 1840 ____________________________ Marble / Marbre ____________________________ Musée des Beaux-Arts d’Orléans, Orléans ____________________________ 📍#DailyMuseum  | #MBAOrleans  . . . | 🇫🇷 FR. : | Ce buste de Jeanne d’Arc figure parmi les récentes acquisitions du Musée des Beaux-Arts d’Orléans. Un achat réalisé au cours de la TETAF 2018. . L’œuvre est réalisée par Auguste Trouchaud, un artiste dont on ne connaît que peu de choses aujourd’hui. En effet Trouchaud est un praticien, c’est-à-dire un artiste qui réalise dans la pierre ou le marbre une sculpture d’après le modèle d’un autre artiste. Ce buste de la Pucelle d’Orléans est d’ailleurs réalisé d’après une œuvre de Marie d’Orléans - fille de Louis-Philippe, qui connaît une brève carrière de sculptrice avant de s’éteindre à l’âge de 25ans. . La sculpture dont est issue le buste est une représentation de Jeanne d’Arc en pied, revêtue d’une armure et tenant contre elle une épée. Une œuvre aujourd’hui conservée au château de Versailles, un lieu pour lequel elle avait été prévu lors de sa commande par Louis-Philippe en 1836. . L’achat d’une telle œuvre par le musée s’explique pour plusieurs raisons. Tout d’abord le sujet, la figure de Jeanne d’Arc étant profondément liée à la ville d’Orléans. Mais également par la présence dans les collections du musée d’un important fond de sculptures romantiques en particulier autour des œuvres d’Henry de Triqueti. . | @_dailymuseum 😇
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Saint Thomas
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Diego Velásquez (1599-1660)
________
1619-1620
________
Oil on canvas / Huile sur toile
________
Musée des Beaux-Arts d’Orléans, Orléans
________
📍#DailyMuseum | #MBAOrleans
.
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| 🇫🇷 FR. :
.
| Entré au musée sous une attribution erronée à Murillo, ce Saint Thomas est avec Démocrite (conservé au Musée des Beaux-Arts de Rouen) l’un des seuls tableaux de Velázquez conservés dans un musée français. L’austérité de la composition et sa palette monochrome sont caractéristiques des œuvres de jeunesse du peintre. Le tableau faisant peut-être partie d’un Apostolado (série de tableaux représentant individuellement les douze apôtres et le Christ) mais seuls ce tableau et un Saint Paul (conservé au musée national d’art de Catalogne de Barcelone) semblent avoir été conçus. L’iconographie et singulière : Saint Thomas est souvent représenté comme un vieillard incrédule, touchant les plaies du Christ pour être convaincu de sa résurrection. Ici, l’effigie juvénile, la bouche ouverte en train de prêcher, tient un livre comme symbole de son rôle de prédicateur ainsi qu’une lance, allusion à son martyre.
.
Ce tableau est un marqueur essentiel dans l’évolution artistique du peintre et témoigne de ses multiples sources d’inspiration. Il empreinte au Greco le principe de l’Apostolado, selon une formule de portraits juvéniles, vigoureux, sans nimbe, dans un goût réaliste proche de l’art de Ribera ou de Caravage, proposant une lecture personnelle des effets de clair-obscur du peintre italien. Si les circonstances de la commande et la destination du tableau restent inconnues, le jeune Vélasquez réalise un bel exemple de peinture contre-réformiste, montrant un homme simple avec ses défauts, modèle à imiter pour les spectateurs pieux. Vélasquez aborde l’hagiographie en refusant les artifices du baroque, préférant montrer des hommes du peuple élevés à la sainteté, dans le naturalisme cru de leur simple humanité.
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| Cartel de l’œuvre
_________________________________________ Saint Thomas ________ Diego Velásquez (1599-1660) ________ 1619-1620 ________ Oil on canvas / Huile sur toile ________ Musée des Beaux-Arts d’Orléans, Orléans ________ 📍#DailyMuseum  | #MBAOrleans  . . . | 🇫🇷 FR. : . | Entré au musée sous une attribution erronée à Murillo, ce Saint Thomas est avec Démocrite (conservé au Musée des Beaux-Arts de Rouen) l’un des seuls tableaux de Velázquez conservés dans un musée français. L’austérité de la composition et sa palette monochrome sont caractéristiques des œuvres de jeunesse du peintre. Le tableau faisant peut-être partie d’un Apostolado (série de tableaux représentant individuellement les douze apôtres et le Christ) mais seuls ce tableau et un Saint Paul (conservé au musée national d’art de Catalogne de Barcelone) semblent avoir été conçus. L’iconographie et singulière : Saint Thomas est souvent représenté comme un vieillard incrédule, touchant les plaies du Christ pour être convaincu de sa résurrection. Ici, l’effigie juvénile, la bouche ouverte en train de prêcher, tient un livre comme symbole de son rôle de prédicateur ainsi qu’une lance, allusion à son martyre. . Ce tableau est un marqueur essentiel dans l’évolution artistique du peintre et témoigne de ses multiples sources d’inspiration. Il empreinte au Greco le principe de l’Apostolado, selon une formule de portraits juvéniles, vigoureux, sans nimbe, dans un goût réaliste proche de l’art de Ribera ou de Caravage, proposant une lecture personnelle des effets de clair-obscur du peintre italien. Si les circonstances de la commande et la destination du tableau restent inconnues, le jeune Vélasquez réalise un bel exemple de peinture contre-réformiste, montrant un homme simple avec ses défauts, modèle à imiter pour les spectateurs pieux. Vélasquez aborde l’hagiographie en refusant les artifices du baroque, préférant montrer des hommes du peuple élevés à la sainteté, dans le naturalisme cru de leur simple humanité. . | Cartel de l’œuvre
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Moses exposed on the Nile
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Moïse exposé sur les eaux du Nil
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Henry de Triqueti (1803-1874)
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1857
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marble / marbre
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Musée des Beaux-Arts d’Orléans, Orléans
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📍#DailyMuseum | #MBAOrleans
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| 🇫🇷 FR. :
| Henry de Triqueti est tout d’abord destiné à une carrière de peintre, c’est finalement dans la sculpture que son art va s’exprimer. Ses œuvres trouvent leurs sources dans l’art antique, médiéval mais également de la renaissance. Une synthèse de l’étude du modèle vivant et de la nature. La carrière de Triqueti l’amène notamment à réaliser des œuvres pour les familles royales française et anglaise.
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Le bas-relief présente Moïse déposé par sa mère sur les rives du Nil. Pharaon, craignant d’être renversé ordonne la mise à mort de tous les nouveaux-né de sexe masculin parmi les Hébreux. Craignant pour sa vie la mère de Moïse le dépose dans une corbeille que le courant mènera vers la fille de Pharaon qui adoptera l’enfant.
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Triqueti traite ici le sujet de manière mélancolique, la mère enveloppe délicatement son enfant. Un ultime geste de résignation et de douleur qui illustre le drame de l’épisode. Une sensibilité des personnages qui a pour vocation à émouvoir le spectateur.
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Le fond du relief renvoie à la mer de joncs, le symbole du peuple hébreu retenu en Égypte et que Moïse délivrera par la suite. La sauterelle, dans la partie gauche de la composition, incarne quant à elle la huitième plaie d’Égypte. Le lys illustre la royauté de Moïse qui deviendra le guide de son peuple vers la terre promise. L’histoire de Moïse est donc inscrite dans l’espace de l’œuvre.
_________________________________________ Moses exposed on the Nile ____________________________ Moïse exposé sur les eaux du Nil ____________________________ Henry de Triqueti (1803-1874) ____________________________ 1857 ____________________________ marble / marbre ____________________________ Musée des Beaux-Arts d’Orléans, Orléans ____________________________ 📍#DailyMuseum  | #MBAOrleans  . . . | 🇫🇷 FR. : | Henry de Triqueti est tout d’abord destiné à une carrière de peintre, c’est finalement dans la sculpture que son art va s’exprimer. Ses œuvres trouvent leurs sources dans l’art antique, médiéval mais également de la renaissance. Une synthèse de l’étude du modèle vivant et de la nature. La carrière de Triqueti l’amène notamment à réaliser des œuvres pour les familles royales française et anglaise. . Le bas-relief présente Moïse déposé par sa mère sur les rives du Nil. Pharaon, craignant d’être renversé ordonne la mise à mort de tous les nouveaux-né de sexe masculin parmi les Hébreux. Craignant pour sa vie la mère de Moïse le dépose dans une corbeille que le courant mènera vers la fille de Pharaon qui adoptera l’enfant. . Triqueti traite ici le sujet de manière mélancolique, la mère enveloppe délicatement son enfant. Un ultime geste de résignation et de douleur qui illustre le drame de l’épisode. Une sensibilité des personnages qui a pour vocation à émouvoir le spectateur. . Le fond du relief renvoie à la mer de joncs, le symbole du peuple hébreu retenu en Égypte et que Moïse délivrera par la suite. La sauterelle, dans la partie gauche de la composition, incarne quant à elle la huitième plaie d’Égypte. Le lys illustre la royauté de Moïse qui deviendra le guide de son peuple vers la terre promise. L’histoire de Moïse est donc inscrite dans l’espace de l’œuvre.
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View of a park
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Vue d’un parc
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Louis-François Cassas (1756-1827)
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watercolor / aquarelle
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Musée des Beaux-Arts d’Orléans, Orléans
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📍#DailyMuseum | #MBAOrleans
_________________________________________ View of a park ____________________________ Vue d’un parc ____________________________ Louis-François Cassas (1756-1827) ____________________________ watercolor / aquarelle ____________________________ Musée des Beaux-Arts d’Orléans, Orléans ____________________________ 📍#DailyMuseum  | #MBAOrleans 
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Ibis coffin
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Cercueil d’ibis
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305-30 B.C.
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305-30 av. J.-C.
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Ptolemaic Period with later additions
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Période ptolémaïque avec compléments tardifs
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Wood, silver, gold leaf, gesso, rock crystal, animal remains, linen, pigment
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Bois, argent, feuille d'or, gesso, cristal de roche, restes d'animaux, lin, pigment
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Brooklyn Museum, New York | @brooklynmuseum
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📍#DailyMuseum
_________________________________________ Ibis coffin ____________________________ Cercueil d’ibis ____________________________ 305-30 B.C. . 305-30 av. J.-C. ____________________________ Ptolemaic Period with later additions . Période ptolémaïque avec compléments tardifs ____________________________ Wood, silver, gold leaf, gesso, rock crystal, animal remains, linen, pigment ____________________________ Bois, argent, feuille d'or, gesso, cristal de roche, restes d'animaux, lin, pigment ____________________________ Brooklyn Museum, New York | @brooklynmuseum ____________________________ 📍#DailyMuseum 
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Perseus and Andromeda
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Persée et Andromède
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Anton Raphaël Mengs (1728-1779)
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1774-1779
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oil on canvas / huile sur toile
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The State Hermitage Museum, Saint Petersburg | @hermitage_museum 
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📍#DailyMuseum
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| 🇺🇸 EN. :
| The Hermitage possesses one of the best collections of works by Mengs in the world, painted at different periods in his career. Of these works the most famous is Perseus and Andromeda, its subject taken from Ovid's "Metamorphoses", which was exhibited in the Palazzo Barberini in Rome in 1777, where it was much admired by those who saw it. Mengs sought his pure artistic forms in the Classical heritage: the work is essentially based on two Classical cameos which belonged to the artist, both now in the Hermitage; the figure of Perseus was based on the statue of the Apollo Belvedere, and that of Andromeda was borrowed from a Classical relief in the Villa Pamphili in Rome. The ordered nature of the unfussy composition, the ideally correct drawing, the skilful sculptural modelling of the figures and the majestic rhetorical gesture of the central figure all indicate that the work was composed according to the strict canons of Neoclassicism, of which Mengs was a devout follower.
| @hermitage_museum website
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| 🇫🇷 FR. :
| Le Musée de l’Hermitage possède l’une des plus belle collection de peintures de Mengs au monde, des toiles qui couvrent l’ensemble de la carrière de l’artiste. Persée et Andromède figure parmi les œuvres plus connues de l’artiste, son sujet provient des Métamorphoses d’Ovide. La peinture est exposée en 1777 au Palais Barberini à Rome où elle reçu les compliments de tous ceux qui l’ont admiré. L’artiste puisse son inspiration dans l’héritage classique de l’art. Le tableau est basé sur deux camés ayant appartenus à l’artiste et aujourd’hui conservés au Musée de l’Hermitage. La figure de Persée est basée sur la sculpture de l’Apollon du Belvédère. La figure d’Andromède est quant à elle inspirée d’un bas-relief antique conservé à la villa Pamphili à Rome.
| Traduit par le @_dailymuseum 😇
_________________________________________ Perseus and Andromeda ________________ Persée et Andromède ________________ Anton Raphaël Mengs (1728-1779) ________________ 1774-1779 ________________ oil on canvas / huile sur toile ________________ The State Hermitage Museum, Saint Petersburg | @hermitage_museum ________________ 📍#DailyMuseum  . . . | 🇺🇸 EN. : | The Hermitage possesses one of the best collections of works by Mengs in the world, painted at different periods in his career. Of these works the most famous is Perseus and Andromeda, its subject taken from Ovid's "Metamorphoses", which was exhibited in the Palazzo Barberini in Rome in 1777, where it was much admired by those who saw it. Mengs sought his pure artistic forms in the Classical heritage: the work is essentially based on two Classical cameos which belonged to the artist, both now in the Hermitage; the figure of Perseus was based on the statue of the Apollo Belvedere, and that of Andromeda was borrowed from a Classical relief in the Villa Pamphili in Rome. The ordered nature of the unfussy composition, the ideally correct drawing, the skilful sculptural modelling of the figures and the majestic rhetorical gesture of the central figure all indicate that the work was composed according to the strict canons of Neoclassicism, of which Mengs was a devout follower. | @hermitage_museum website . . . | 🇫🇷 FR. : | Le Musée de l’Hermitage possède l’une des plus belle collection de peintures de Mengs au monde, des toiles qui couvrent l’ensemble de la carrière de l’artiste. Persée et Andromède figure parmi les œuvres plus connues de l’artiste, son sujet provient des Métamorphoses d’Ovide. La peinture est exposée en 1777 au Palais Barberini à Rome où elle reçu les compliments de tous ceux qui l’ont admiré. L’artiste puisse son inspiration dans l’héritage classique de l’art. Le tableau est basé sur deux camés ayant appartenus à l’artiste et aujourd’hui conservés au Musée de l’Hermitage. La figure de Persée est basée sur la sculpture de l’Apollon du Belvédère. La figure d’Andromède est quant à elle inspirée d’un bas-relief antique conservé à la villa Pamphili à Rome. | Traduit par le @_dailymuseum 😇
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Bust of Apollo
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Buste d’Apollon
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Factory of / Manufacture de
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Nicolas Fouquay (1686-1742)
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circa / vers 1730
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earthenware / faïence
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Musée de la Céramique de Rouen, Rouen | @rmm_rouen
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| 🇫🇷 FR. :
| Le thème des saisons a été repris dans les années 1730 par Nicolas Fouquay (1686-1742) qui exploitait l’ancienne manufacture de Louis Poterat depuis 1720. Il réalisa une série comprenant les quatre saisons, auxquelles fut ajouté Apollon qui vient les présider, selon une iconographie fondée notamment sur les Métamorphoses d’Ovide. Cette suite de Saisons fut produite en plusieurs exemplaires. La première suite, la plus riche, se compose de bustes aux draperies richement décorées de fleurs imitant le brocard, posés sur des gaines monumentales. Acquise par le duc de Hamilton en 1846 pour décorer Hamilton Palace, cette série est entrée au Louvre à la suite de la vente de la collection Hamilton en 1882, mis à part Apollon, offert au Kensington Museum (aujourd’hui Victoria and Albert Museum) dès 1857.
.
Trois autres séries au moins sortirent des moules de Fouquay, on ne leur connaît pas de piédestaux. Les trois œuvres du musée de la Céramique se distinguent de la série Hamilton par un traitement uni des draperies et une plus grande sobriété des coiffures. La qualité des bustes suppose la contribution d’un sculpteur de formation classique, capable de modeler des figures répondant aux préceptes académiques tant pour la noblesse des formes que pour la justesse de l’expression de chaque divinité.
.
Le parti esthétique de ne pas souligner les traits des visages et de laisser l’émail dans sa blancheur marmoréenne confère à ses œuvres une noblesse rare dans la sculpture céramique.
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| Site internet Musée de la Céramique de Rouen
_________________________________________ Bust of Apollo ____________________________ Buste d’Apollon ____________________________ Factory of / Manufacture de . Nicolas Fouquay (1686-1742) ____________________________ circa / vers 1730 ____________________________ earthenware / faïence ____________________________ Musée de la Céramique de Rouen, Rouen | @rmm_rouen . . . | 🇫🇷 FR. : | Le thème des saisons a été repris dans les années 1730 par Nicolas Fouquay (1686-1742) qui exploitait l’ancienne manufacture de Louis Poterat depuis 1720. Il réalisa une série comprenant les quatre saisons, auxquelles fut ajouté Apollon qui vient les présider, selon une iconographie fondée notamment sur les Métamorphoses d’Ovide. Cette suite de Saisons fut produite en plusieurs exemplaires. La première suite, la plus riche, se compose de bustes aux draperies richement décorées de fleurs imitant le brocard, posés sur des gaines monumentales. Acquise par le duc de Hamilton en 1846 pour décorer Hamilton Palace, cette série est entrée au Louvre à la suite de la vente de la collection Hamilton en 1882, mis à part Apollon, offert au Kensington Museum (aujourd’hui Victoria and Albert Museum) dès 1857. . Trois autres séries au moins sortirent des moules de Fouquay, on ne leur connaît pas de piédestaux. Les trois œuvres du musée de la Céramique se distinguent de la série Hamilton par un traitement uni des draperies et une plus grande sobriété des coiffures. La qualité des bustes suppose la contribution d’un sculpteur de formation classique, capable de modeler des figures répondant aux préceptes académiques tant pour la noblesse des formes que pour la justesse de l’expression de chaque divinité. . Le parti esthétique de ne pas souligner les traits des visages et de laisser l’émail dans sa blancheur marmoréenne confère à ses œuvres une noblesse rare dans la sculpture céramique. . | Site internet Musée de la Céramique de Rouen
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Hunting Heron, Algeria
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La Chasse au héron, Algérie
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Eugène Fromentin (1820-1876)
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1865
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Oil on canvas / Huile sur toile
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Musée Condé, Chantilly | @chantillydomain 
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📍#DailyMuseum
_________________________________________ Hunting Heron, Algeria ____________________________ La Chasse au héron, Algérie ____________________________ Eugène Fromentin (1820-1876) ____________________________ 1865 ____________________________ Oil on canvas / Huile sur toile ____________________________ Musée Condé, Chantilly | @chantillydomain ____________________________ 📍#DailyMuseum 
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La Maison Carrée, les Arènes et la Tour Magne à Nîmes
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Hubert Robert (1733-1808)
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1786
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Oil on canvas / Huile sur toile
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Musée du Louvre, Paris | @museelouvre 
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📍#DailyMuseum
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| 🇫🇷 FR. :
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| Le tableau fait partie d’une série de quatre toiles destinées à la décoration d’un salon du château de Fontainebleau.
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La commande est passée en 1786 et s’intitule les Principaux Monuments de la France illustrant les édifices les plus célèbres de la Gaule romaine. Les quatre œuvres sont réalisées en 1787 et présentent respectivement La Maison Carrée, les Arènes et la Tour Magne à Nîmes. Le Temple de Diane à Nîmes, L’Arc de triomphe et le Théâtre d’Orange ainsi que Le Pont du Gard.
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Ces peintures sont aujourd’hui toutes conservées au Musée du Louvre et n’ont jamais été mises en place à Fontainebleau.
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Le choix du peintre Hubert Robert, pour la réalisation de ces sujets, s’explique par ses célèbres vues de monuments antiques dont il est devenu le spécialiste.
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| @_dailymuseum 😇
_________________________________________ La Maison Carrée, les Arènes et la Tour Magne à Nîmes ____________________________ Hubert Robert (1733-1808) ____________________________ 1786 ____________________________ Oil on canvas / Huile sur toile ____________________________ Musée du Louvre, Paris | @museelouvre ____________________________ 📍#DailyMuseum  . . . | 🇫🇷 FR. : . | Le tableau fait partie d’une série de quatre toiles destinées à la décoration d’un salon du château de Fontainebleau. . La commande est passée en 1786 et s’intitule les Principaux Monuments de la France illustrant les édifices les plus célèbres de la Gaule romaine. Les quatre œuvres sont réalisées en 1787 et présentent respectivement La Maison Carrée, les Arènes et la Tour Magne à Nîmes. Le Temple de Diane à Nîmes, L’Arc de triomphe et le Théâtre d’Orange ainsi que Le Pont du Gard. . Ces peintures sont aujourd’hui toutes conservées au Musée du Louvre et n’ont jamais été mises en place à Fontainebleau. . Le choix du peintre Hubert Robert, pour la réalisation de ces sujets, s’explique par ses célèbres vues de monuments antiques dont il est devenu le spécialiste. . | @_dailymuseum 😇
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Panel with a Griffin
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Panneau avec un griffon
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Probably made in Greece or the Balkans
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Probablement réalisé en Grèce ou dans les Balkans
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1250-1300
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Marble / Marbre
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Metropolitan Museum of Art, New York | @metmuseum
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📍#DailyMuseum
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| 🇺🇸 EN. :
| In the ancient world, the mythical beasts called griffins were symbols of royalty and protectors of the dead. They continued to play these roles for Christians. A legend popular in the Byzantine era told of griffins carrying Alexander the Great through the heavens so he could view his vast realm. Carved griffins such as the one illustrated here are found on later Byzantine tombs, where they may have been placed to identify the dead of royal status and to afford them protection. The design of the relief is similar to patterns on Byzantine and Islamic silks.
| @metmuseum website
.
.
.
| 🇫🇷 FR. :
| Dans l’Antiquité, les créatures mythiques appelées griffons étaient les symboles de la royauté et les protecteurs des morts. Une fonction qu’ils continuent de jouer pour les premiers chrétiens. Selon une légende de la période byzantine c’est un griffon qui a porté Alexandre le Grand jusqu’au paradis pour qu’il puisse admirer son royaume. Des griffons gravés comme celui présent sur cette pièce ont été découverts dans des tombes postérieures à la période byzantine. Une utilisation de ce symbole qui suppose la volonté d’affirmer le statut royal du défunt tout en appelant à la protection de l’animal. Le dessin présent sur ce relief est similaire à celui que l’on retrouve sur des soieries tant byzantines qu’islamiques.
| Traduit par le @_dailymuseum 😇
_________________________________________ Panel with a Griffin ____________________________ Panneau avec un griffon ____________________________ Probably made in Greece or the Balkans ____________________________ Probablement réalisé en Grèce ou dans les Balkans ____________________________ 1250-1300 ____________________________ Marble / Marbre ____________________________ Metropolitan Museum of Art, New York | @metmuseum ____________________________ 📍#DailyMuseum  . . . | 🇺🇸 EN. : | In the ancient world, the mythical beasts called griffins were symbols of royalty and protectors of the dead. They continued to play these roles for Christians. A legend popular in the Byzantine era told of griffins carrying Alexander the Great through the heavens so he could view his vast realm. Carved griffins such as the one illustrated here are found on later Byzantine tombs, where they may have been placed to identify the dead of royal status and to afford them protection. The design of the relief is similar to patterns on Byzantine and Islamic silks. | @metmuseum website . . . | 🇫🇷 FR. : | Dans l’Antiquité, les créatures mythiques appelées griffons étaient les symboles de la royauté et les protecteurs des morts. Une fonction qu’ils continuent de jouer pour les premiers chrétiens. Selon une légende de la période byzantine c’est un griffon qui a porté Alexandre le Grand jusqu’au paradis pour qu’il puisse admirer son royaume. Des griffons gravés comme celui présent sur cette pièce ont été découverts dans des tombes postérieures à la période byzantine. Une utilisation de ce symbole qui suppose la volonté d’affirmer le statut royal du défunt tout en appelant à la protection de l’animal. Le dessin présent sur ce relief est similaire à celui que l’on retrouve sur des soieries tant byzantines qu’islamiques. | Traduit par le @_dailymuseum 😇
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Memento Mori
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1st century / Ier siècle
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Mosaic from Pompeii
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Mosaïque de Pompéi
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Museo Archeologico di Napoli, Napoli | @museoarcheologiconapoli
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📍#DailyMuseum
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🇺🇸 EN. : Roman mosaic representing the Wheel of Fortune which, as it turns, can make the rich (symbolized by the purple cloth on the left) poor and the poor (symbolized by the goatskin at right) rich; in effect both states are very precarious, with death never far and life hanging by a thread: when it breaks, the soul (symbolized by the butterfly) flies off. And thus are all made equal.
| @wikipedia .
.
.
🇫🇷 FR. : La mosaïque représente la Roue de la Fortune qui, lorsqu'elle tourne, peut faire du riche (symbolisé par l'étoffe pourpre à gauche) un pauvre, et du pauvre (symbolisé par la peau de chèvre à droite) un riche ; en effet chaque état est très précaire, la Mort est aux aguets à tout moment, et la vie tient à un fil : lorsque ce dernier rompra, l'âme (symbolisée par le papillon) s'envolera. Et tout le monde sera sur un pied d'égalité.
| @wikipedia
_________________________________________ Memento Mori ____________________________ 1st century / Ier siècle ____________________________ Mosaic from Pompeii ____________________________ Mosaïque de Pompéi ____________________________ Museo Archeologico di Napoli, Napoli | @museoarcheologiconapoli ____________________________ 📍#DailyMuseum  . . . 🇺🇸 EN. : Roman mosaic representing the Wheel of Fortune which, as it turns, can make the rich (symbolized by the purple cloth on the left) poor and the poor (symbolized by the goatskin at right) rich; in effect both states are very precarious, with death never far and life hanging by a thread: when it breaks, the soul (symbolized by the butterfly) flies off. And thus are all made equal. | @wikipedia . . . 🇫🇷 FR. : La mosaïque représente la Roue de la Fortune qui, lorsqu'elle tourne, peut faire du riche (symbolisé par l'étoffe pourpre à gauche) un pauvre, et du pauvre (symbolisé par la peau de chèvre à droite) un riche ; en effet chaque état est très précaire, la Mort est aux aguets à tout moment, et la vie tient à un fil : lorsque ce dernier rompra, l'âme (symbolisée par le papillon) s'envolera. Et tout le monde sera sur un pied d'égalité. | @wikipedia